Me preguntaron lo siguiente:

"lo que viene después de primavera", son diez acuarelas, ¿verdad? ¿ya está terminada la serie o piensas trabajarla más?
 
Son 15 acuarelas (hasta ahorita… pero pienso seguir ampliando la serie)       http://www.flickr.com/photos/deadeyes/sets/72157629504666296/
 
¿por qué te interesa este contraste entre lo sublime y lo visceral?
 
Solo son palabras para poder explicar mis pinturas, ya que en el arte actual piden definir el concepto. En si lo sublime es una categoria estetica en donde ciertos casos, puede ser la obra de arte tan puramente bello que produce dolor en vez de placer y mi proceso creativo me afecta y a la vez me complace estéticamente. No es mi trabajo el dilusidar lo bello y lo sublime, ya que creo que si te gusta una pintura olvidandote de tus preconceptos, esta obra de arte ha triunfado para llegar a los estandares de belleza.
 
"El sentimiento de lo sublime es un sentimiento mixto. Está compuesto por un sentimiento de pena, que en su más alto grado se expresa como un escalofrío, y por un sentimiento de alegría, que puede llegar hasta el entusiasmo y, si bien no es precisamente placer, las almas refinadas lo prefieren con mucho a cualquier placer".- Friedrich Schiller, De lo sublime, 1801. - Eco, Umberto (2004). Historia de la belleza. Lumen, Barcelona.
Lo visceral en mis pinturas entra por el lado de lo que mas mueve cuando veo imagenes o cosas que quiero pintar… solo es una forma de llamarla simbólicamente. Pero algo que si se definir de lo visceral es que cuando aparece, me duelen las tripas literalmente… es como sentir mariposas por primera vez. Entonces la asociacion de visceral y sublime viene siendo como yuxtaposiciones guturales de una nueva figuracion en la pintura… es la abstracción de la realidad lo que me llama mas la atencion.
¿de dónde sale el título? Mencionas que quieres mostrar lo crudo de las estaciones del año, ¿podrías ahondar más en esto, qué quieres decir? ¿de qué manera crees que tus acuarelas muestran lo crudo de las estaciones del año?
 
La naturaleza ha sido muy importante en mi obra desde siempre, ya que tengo esta obsesión con ella desde muy pequena. El titulo “lo que viene despues de la primavera” viene de la seleccion de imagenes que he hecho (cuervos muertos, venados cambiando de piel, murcielagos comiendo fruta, cabras dando a luz, zorros siendo desollados, etc.)
 
El verano, otono e invierno, son fases del ciclo de la vida; nacer reproducirse, morir… mas los intermediarios que vienen siendo comer y dormir.
De aqui nace el titulo ya que la primavera es la mas importante para el renacimiento de todo ciclo de vida. 
 
Creo que lo crudo de las estaciones del año vienen siendo esas imagenes contrarias que piensas en verano como las albercas o las abejas, en cambio te doy unas moscas teniendo sexo por que es cuando ellas se aparean en pleno calor, u otoño cuando los venados raspan su piel dejandolos sangrados para tener sus cuernos definitivos. 

Watercolor, Ink and Gouache on paper.
23 X 15 cms
2012
From the series: “What comes after spring”

Me preguntaron lo siguiente:

"lo que viene después de primavera", son diez acuarelas, ¿verdad? ¿ya está terminada la serie o piensas trabajarla más?

 

Son 15 acuarelas (hasta ahorita… pero pienso seguir ampliando la serie)       http://www.flickr.com/photos/deadeyes/sets/72157629504666296/

 

¿por qué te interesa este contraste entre lo sublime y lo visceral?

 

Solo son palabras para poder explicar mis pinturas, ya que en el arte actual piden definir el concepto. En si lo sublime es una categoria estetica en donde ciertos casos, puede ser la obra de arte tan puramente bello que produce dolor en vez de placer y mi proceso creativo me afecta y a la vez me complace estéticamente. No es mi trabajo el dilusidar lo bello y lo sublime, ya que creo que si te gusta una pintura olvidandote de tus preconceptos, esta obra de arte ha triunfado para llegar a los estandares de belleza.

 

"El sentimiento de lo sublime es un sentimiento mixto. Está compuesto por un sentimiento de pena, que en su más alto grado se expresa como un escalofrío, y por un sentimiento de alegría, que puede llegar hasta el entusiasmo y, si bien no es precisamente placer, las almas refinadas lo prefieren con mucho a cualquier placer".- Friedrich Schiller, De lo sublime, 1801. - Eco, Umberto (2004). Historia de la belleza. Lumen, Barcelona.

Lo visceral en mis pinturas entra por el lado de lo que mas mueve cuando veo imagenes o cosas que quiero pintar… solo es una forma de llamarla simbólicamente. Pero algo que si se definir de lo visceral es que cuando aparece, me duelen las tripas literalmente… es como sentir mariposas por primera vez. Entonces la asociacion de visceral y sublime viene siendo como yuxtaposiciones guturales de una nueva figuracion en la pintura… es la abstracción de la realidad lo que me llama mas la atencion.

¿de dónde sale el título? Mencionas que quieres mostrar lo crudo de las estaciones del año, ¿podrías ahondar más en esto, qué quieres decir? ¿de qué manera crees que tus acuarelas muestran lo crudo de las estaciones del año?

 

La naturaleza ha sido muy importante en mi obra desde siempre, ya que tengo esta obsesión con ella desde muy pequena. El titulo “lo que viene despues de la primavera” viene de la seleccion de imagenes que he hecho (cuervos muertos, venados cambiando de piel, murcielagos comiendo fruta, cabras dando a luz, zorros siendo desollados, etc.)

 

El verano, otono e invierno, son fases del ciclo de la vida; nacer reproducirse, morir… mas los intermediarios que vienen siendo comer y dormir.

De aqui nace el titulo ya que la primavera es la mas importante para el renacimiento de todo ciclo de vida.

 

Creo que lo crudo de las estaciones del año vienen siendo esas imagenes contrarias que piensas en verano como las albercas o las abejas, en cambio te doy unas moscas teniendo sexo por que es cuando ellas se aparean en pleno calor, u otoño cuando los venados raspan su piel dejandolos sangrados para tener sus cuernos definitivos.


Watercolor, Ink and Gouache on paper.

23 X 15 cms

2012

From the series: “What comes after spring”

El otro dia me acorde de mi asesor de fotografia (el cual me ayudo mucho) Gustavo Prado,Ex-Curador del Centro de la Imagen ( trabajo de1993 - 2007)… Por que cada vez que me preguntan “Por que ya no tomas fotos?” o “Cuando regresaras a tomar fotos?” me acuerdo de las dos bienales donde no me seleccionaron por que decían que mis conceptos no los llenaban aunque tuviera series con las imágenes mas hermosas (asi me lo dijo Gustavo).
El arte conceptual no es para mi, solo por que ellos se la pasan jalandosela no implica que lo voy a hacer. Darle mas enfasis a el concepto que al objeto en si no es mi idea de arte.
Todo por Duchamp en 1917… piensenlo bien… desde 1917 se quedaron traumados con el arte conceptual, claro que no lo demerito para nada por que en su momento si fue declararle la guerra a las instituciones,críticos y demás.. pero ahora? 
En fin Gustavo Prado es una de las personas que mas me agradan por que dicen las cosas al chile, es un cinico y es SUPER inteligente. Hablo de el por que me gusta recordar a los buenos maestros, creo que son las personas que deberian de marcarte de jovenaso y el ha sido una gran influencia en mas de 5000 mil personas y esta BIO que les pongo esta SUPER pasada de moda pero boooeno es pa que se den idea de lo que ha estudiado y asi:
Nacido en 1970 en Mexico DF, estudió la Licenciatura en Ciencias de la Cultura, con estudios en Artes Visuales y en Diseño Gráfico en la Esmeralda, actualmente en la Maestria en Gestion del Patrimonio Cultural en la Ibero de Puebla. Menciones honorificas en la 6a y 7a Bienales Nacionales de Fotografia. Premio del II Salon de la Fotografía de Guadalajara. Becario FONCA jóvenes creadores 1995. Trabaja en el Centro de la Imagen desde 1994, ha participado en el diseño de todas las exhibiciones presentadas ahí, así como en proyectos paralelos como Fotoseptiembre. Desde 2001 es curador del Centro. Tutor de jovenes creadores de las becas FECA del estado de Guanajuato en 2005 y 2006; asi mismo tutor de varias ediciones de FotoGuanajuato. Una de sus principales actividades es en el campo del entrenamiento y seguimiento del trabajo de jóvenes fotógrafos. Maestro en la Esmeralda y en el Centro de Diseño, Cine y Televisión.
_________________
Busquen buenos maestros! 
_____
Por cierto por ahí me preguntaron que si eran mis fotos. http://www.flickr.com/photos/deadeyes/ SI LO SON.

El otro dia me acorde de mi asesor de fotografia (el cual me ayudo mucho) Gustavo Prado,Ex-Curador del Centro de la Imagen ( trabajo de1993 - 2007)… Por que cada vez que me preguntan “Por que ya no tomas fotos?” o “Cuando regresaras a tomar fotos?” me acuerdo de las dos bienales donde no me seleccionaron por que decían que mis conceptos no los llenaban aunque tuviera series con las imágenes mas hermosas (asi me lo dijo Gustavo).

El arte conceptual no es para mi, solo por que ellos se la pasan jalandosela no implica que lo voy a hacer. Darle mas enfasis a el concepto que al objeto en si no es mi idea de arte.

Todo por Duchamp en 1917… piensenlo bien… desde 1917 se quedaron traumados con el arte conceptual, claro que no lo demerito para nada por que en su momento si fue declararle la guerra a las instituciones,críticos y demás.. pero ahora? 

En fin Gustavo Prado es una de las personas que mas me agradan por que dicen las cosas al chile, es un cinico y es SUPER inteligente. Hablo de el por que me gusta recordar a los buenos maestros, creo que son las personas que deberian de marcarte de jovenaso y el ha sido una gran influencia en mas de 5000 mil personas y esta BIO que les pongo esta SUPER pasada de moda pero boooeno es pa que se den idea de lo que ha estudiado y asi:

Nacido en 1970 en Mexico DF, estudió la Licenciatura en Ciencias de la Cultura, con estudios en Artes Visuales y en Diseño Gráfico en la Esmeralda, actualmente en la Maestria en Gestion del Patrimonio Cultural en la Ibero de Puebla. Menciones honorificas en la 6a y 7a Bienales Nacionales de Fotografia. Premio del II Salon de la Fotografía de Guadalajara. Becario FONCA jóvenes creadores 1995. Trabaja en el Centro de la Imagen desde 1994, ha participado en el diseño de todas las exhibiciones presentadas ahí, así como en proyectos paralelos como Fotoseptiembre. Desde 2001 es curador del Centro. Tutor de jovenes creadores de las becas FECA del estado de Guanajuato en 2005 y 2006; asi mismo tutor de varias ediciones de FotoGuanajuato. Una de sus principales actividades es en el campo del entrenamiento y seguimiento del trabajo de jóvenes fotógrafos. Maestro en la Esmeralda y en el Centro de Diseño, Cine y Televisión.

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Busquen buenos maestros! 

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Por cierto por ahí me preguntaron que si eran mis fotos. http://www.flickr.com/photos/deadeyes/ SI LO SON.

¿Qué debo hacer para ser un artista? - por José M. Pascual

”(…) Juntarse con grupos de poder “artístico” me refiero a un cúmulo elitista de críticos, gente de medios de comunicación, artistas ya reconocidos, empresarios de la industria del arte y personajes influyentes del ambiente artístico cuya influencia es una especie de orden divino… Para ser un artista no debo menospreciar el poder del gobierno de turno.  Con mucha sutileza debo hacer guiños para que quienes ocupan lugares de poder se enamoren de mi.  Hay artistas cuya gloria sólo se debe a que algún gobierno de turno se enamoró de ellos.  Y allí todos los beneficios de ser el artista de la hegemonía: espacios públicos a disposición, auspicios insólitos, prensa gratis y el sabrosos cheque que se cobra en las oficinas estatales cuyo monto siempre es mayor al labor realizado…

Se que para ser artista debo tener carisma, glamour y actitud.  Las tres cosas se compran en paquete una vez que alguien con pluma pesada o voz con eco dice “un artista con carisma, galamour y actitud”…. Estoy seguro que un chimpancé con 1 minuto de exposición mediática diaria logra al cabo de un tiempo lo que llaman carisma…”

http://www.canaltrans.com/estecirco/articulos/010.html

_________________________________________________

El tipo no esta tan errado hay que lamerle los huevos a muchas personas para mover tu trabajo pero antes de todo eso existe algo que se llama TRABAJAR DURO y si no tienes un sin fin de obra es muy difícil que alguien te haga caso.. entonces cuando ya tengas un mínimo de 4 exposiciones individuales puedes tomartela un poco mas en serio.

Pregunta: Esta bien pero por que desaprovechar tu talento en copiar imágenes?
Respuesta: You must be new (on art).
Es interesante cuando te vuelves critico de arte cuando estudias séptimo semestre de diseño industrial y dibujas cosas como estas:


Por que pintar un bodegón? Por que pintar con una fotografía? Por que ilustrar zombies? Por que dibujar anatomía humana cuando no sabes ni cuantas costillas tienes? Por que pintar digitalmente? Por que te picas el ano con el dedo? siempre será la pregunta. 
Si algo ha enseñado el arte es que cada quien puede hacer con su culo un papalote, las diferentes escuelas y épocas han sido ya dictaminadas y lo que se vive hoy en día, son gajos del oficio donde nos damos cuenta que en el arte no existe el HILO NEGRO de las cosas. 
Como ya hemos visto en la historia el arte es la copia de la copia y nadie nunca será el primero en romper reglas, solo son acoplos a la vida moderna o llamada contemporaneidad.
Y le respondo a la diseñadora con respeto ya que he visto mejores trabajos de los que hace ella como Caitlin Hackett http://www.google.com.mx/search?hl=es&client=safari&rls=en&q=caitlin+hackett&bav=on.2,or.r_gc.r_pw.r_cp.r_qf.,cf.osb&biw=1107&bih=820&um=1&ie=UTF-8&tbm=isch&source=og&sa=N&tab=wi&authuser=0&ei=xVaPT-3eAYLc9ATLu8STBA o vámonos mas pa mexico como Edwin http://www.flickr.com/photos/edwinartwork/4094190597/in/photostream o un Charly olvera http://carlosolvera.tumblr.com/post/862990521/zombie-portraits y ya ni se diga una maureen gubia que me encanta http://www.mgubia.com/ 
Para mi una cosa son ilustraciones y otra pintura y no por ellos tienen menor grado, solo son cosas diferentes. Es muy fácil juzgar arte cuando eres un ignorante… ojo, no digo que no se pueda apreciar el arte, solo con que te guste algo basta, pero bien decía EDGAR DEGAS: “ Painting is easy when you don’t know how, but very difficult when you do.”
Para mi desperdiciar talento es no saber dibujar ya que creo que es la base de toda pintura, además, querer que la gente pinte las mismas cosas que ellos, es como ser la santa inquisición. Me preguntan que por que hago lo que hago y mi respuesta es simple, no soy ilustradora, soy fotógrafa con ínfulas de pintora (lo ultimo es muy nuevo).
Mis artistas favoritos son: Lucian Freud, Francis Bacon, Jenny Saville, Rembrandt, Durero, Egon Schiele, anders Zorn, Monet, Toulouse-Lautrec, Velazquez, Sargent, Cecily Brown,Etc. Con esto te puedes dar cuenta que mi tirada es otra.
El siguiente texto puede ayudar a mermar la ignorancia.
por que desaprovechar tu talento en copiar imágenes?
“No obstante lo anterior, la pintura y la fotografía no están compitiendo entre sí para distinguirse como el mejor medio creativo. Por el contrario, conviven armoniosamente en el mundo del arte, compartiendo espacios en museos, galerías, ferias y colecciones. Más allá de esto, es común ver que la pintura utiliza la imagen fotográfica como parte de su proceso creativo. No es novedad que pintores de antaño recurrieran a la fotografía para auxiliarse en sus dibujos y pinturas. Se dice que Vermeer utilizó la cámara obscura y es sabido que Degas, en el siglo XIX, explotó conscientemente el encuadre fotográfico en sus lienzos que cambiaron por completo la forma en que los artistas enfrentaron la composición en el futuro. La capacidad de capturar un instante y fijarlo en un papel abrió la posibilidad a los pintores de abordar en sus lienzos escenas novedosas con perspectivas imposibles de conseguir del natural. La pintura no volvería a ser igual pues la espacialidad de la imagen fotográfica permitía llevar al lienzo encuadres que de no haber sido procesados por una lente, serían imposibles de conseguir con los medios convencionales. Las inquietudes y motivaciones de los pintores fueron cambiando para dar entrada en sus creaciones a situaciones cotidianas, personajes captados en instantes fugaces y escenas en movimiento, tal como se consigue con una cámara de fotos.”
Mi escuela (ignacio maldonado) podría decir que le tira mas a una nueva figuración y que el arte no tiene enemigos excepto la ignorancia y puedo destacar perfectamente los artistas que NO ME GUSTAN: Gottfried Helnwein, Salvador dali, H. R. Giger, M. C. Escher, DAVID HOCKNEY, Piet Mondrian, René Magritte, Chuck Close, ETC.
El realismo, surrealismo, hiperealismo y el fotorealismo son para personas que les aprieta el calzón pero obviamente no dejan de tener su lugar en la historia. Para poder criticar una obra o “entender” Trátalo como un príncipe.. deja que te hable primero, decía Schopenhauer.
Y bueno si vas por el camino de la ignorancia es muy fácil comprarse un librito o wikipediar.
“Realismo es la denominación de un estilo o movimiento pictórico que se dio en Francia a mediados del siglo XIX, cuyo principal representante es Gustave Courbet. El propio pintor fue quien acuñó el término al dar nombre al pabellón que hizo construir para una provocativa exposición de 1855, alternativa al Salón de París, bajo el título “Realismo”. Allí expuso su obra El taller del pintor, considerada el manifiesto del estilo, que provocó un sonoro escándalo en los medios artísticos por su anti-academicismo y su crudeza, que se calificaba de obscenidad. El surrealismo (en francés: surréalisme; sur [‘sobre, por encima’] más réalisme [‘realismo’]) es un movimiento artístico y literario surgido en Francia a partir del dadaísmo, en la década de los años 1920, en torno a la personalidad del poeta André Breton… Y el hiperrealismo es una tendencia radical de la pintura realista surgida en Estados Unidos a finales de los años 60 del siglo XX que propone reproducir la realidad con más fidelidad y objetividad que la fotografía. A veces se confunde con el fotorrealismo que es menos radical.”
“People discuss my art and pretend to understand as if it were necessary to understand, when it’s simply necessary to love.” — Claude Monet 

Pregunta: Esta bien pero por que desaprovechar tu talento en copiar imágenes?

Respuesta: You must be new (on art).

Es interesante cuando te vuelves critico de arte cuando estudias séptimo semestre de diseño industrial y dibujas cosas como estas:

Por que pintar un bodegón? Por que pintar con una fotografía? Por que ilustrar zombies? Por que dibujar anatomía humana cuando no sabes ni cuantas costillas tienes? Por que pintar digitalmente? Por que te picas el ano con el dedo? siempre será la pregunta.

Si algo ha enseñado el arte es que cada quien puede hacer con su culo un papalote, las diferentes escuelas y épocas han sido ya dictaminadas y lo que se vive hoy en día, son gajos del oficio donde nos damos cuenta que en el arte no existe el HILO NEGRO de las cosas.

Como ya hemos visto en la historia el arte es la copia de la copia y nadie nunca será el primero en romper reglas, solo son acoplos a la vida moderna o llamada contemporaneidad.

Y le respondo a la diseñadora con respeto ya que he visto mejores trabajos de los que hace ella como Caitlin Hackett http://www.google.com.mx/search?hl=es&client=safari&rls=en&q=caitlin+hackett&bav=on.2,or.r_gc.r_pw.r_cp.r_qf.,cf.osb&biw=1107&bih=820&um=1&ie=UTF-8&tbm=isch&source=og&sa=N&tab=wi&authuser=0&ei=xVaPT-3eAYLc9ATLu8STBA o vámonos mas pa mexico como Edwin http://www.flickr.com/photos/edwinartwork/4094190597/in/photostream o un Charly olvera http://carlosolvera.tumblr.com/post/862990521/zombie-portraits y ya ni se diga una maureen gubia que me encanta http://www.mgubia.com/

Para mi una cosa son ilustraciones y otra pintura y no por ellos tienen menor grado, solo son cosas diferentes. Es muy fácil juzgar arte cuando eres un ignorante… ojo, no digo que no se pueda apreciar el arte, solo con que te guste algo basta, pero bien decía EDGAR DEGAS: “ Painting is easy when you don’t know how, but very difficult when you do.”

Para mi desperdiciar talento es no saber dibujar ya que creo que es la base de toda pintura, además, querer que la gente pinte las mismas cosas que ellos, es como ser la santa inquisición. Me preguntan que por que hago lo que hago y mi respuesta es simple, no soy ilustradora, soy fotógrafa con ínfulas de pintora (lo ultimo es muy nuevo).

Mis artistas favoritos son: Lucian Freud, Francis Bacon, Jenny Saville, Rembrandt, Durero, Egon Schiele, anders Zorn, Monet, Toulouse-Lautrec, Velazquez, Sargent, Cecily Brown,Etc. Con esto te puedes dar cuenta que mi tirada es otra.

El siguiente texto puede ayudar a mermar la ignorancia.

por que desaprovechar tu talento en copiar imágenes?

“No obstante lo anterior, la pintura y la fotografía no están compitiendo entre sí para distinguirse como el mejor medio creativo. Por el contrario, conviven armoniosamente en el mundo del arte, compartiendo espacios en museos, galerías, ferias y colecciones. Más allá de esto, es común ver que la pintura utiliza la imagen fotográfica como parte de su proceso creativo. No es novedad que pintores de antaño recurrieran a la fotografía para auxiliarse en sus dibujos y pinturas. Se dice que Vermeer utilizó la cámara obscura y es sabido que Degas, en el siglo XIX, explotó conscientemente el encuadre fotográfico en sus lienzos que cambiaron por completo la forma en que los artistas enfrentaron la composición en el futuro. La capacidad de capturar un instante y fijarlo en un papel abrió la posibilidad a los pintores de abordar en sus lienzos escenas novedosas con perspectivas imposibles de conseguir del natural. La pintura no volvería a ser igual pues la espacialidad de la imagen fotográfica permitía llevar al lienzo encuadres que de no haber sido procesados por una lente, serían imposibles de conseguir con los medios convencionales. Las inquietudes y motivaciones de los pintores fueron cambiando para dar entrada en sus creaciones a situaciones cotidianas, personajes captados en instantes fugaces y escenas en movimiento, tal como se consigue con una cámara de fotos.”

Mi escuela (ignacio maldonado) podría decir que le tira mas a una nueva figuración y que el arte no tiene enemigos excepto la ignorancia y puedo destacar perfectamente los artistas que NO ME GUSTAN: Gottfried Helnwein, Salvador dali, H. R. Giger, M. C. Escher, DAVID HOCKNEY, Piet Mondrian, René Magritte, Chuck Close, ETC.

El realismo, surrealismo, hiperealismo y el fotorealismo son para personas que les aprieta el calzón pero obviamente no dejan de tener su lugar en la historia. Para poder criticar una obra o “entender” Trátalo como un príncipe.. deja que te hable primero, decía Schopenhauer.

Y bueno si vas por el camino de la ignorancia es muy fácil comprarse un librito o wikipediar.

“Realismo es la denominación de un estilo o movimiento pictórico que se dio en Francia a mediados del siglo XIX, cuyo principal representante es Gustave Courbet. El propio pintor fue quien acuñó el término al dar nombre al pabellón que hizo construir para una provocativa exposición de 1855, alternativa al Salón de París, bajo el título “Realismo”. Allí expuso su obra El taller del pintor, considerada el manifiesto del estilo, que provocó un sonoro escándalo en los medios artísticos por su anti-academicismo y su crudeza, que se calificaba de obscenidad. El surrealismo (en francés: surréalisme; sur [‘sobre, por encima’] más réalisme [‘realismo’]) es un movimiento artístico y literario surgido en Francia a partir del dadaísmo, en la década de los años 1920, en torno a la personalidad del poeta André Breton… Y el hiperrealismo es una tendencia radical de la pintura realista surgida en Estados Unidos a finales de los años 60 del siglo XX que propone reproducir la realidad con más fidelidad y objetividad que la fotografía. A veces se confunde con el fotorrealismo que es menos radical.”

“People discuss my art and pretend to understand as if it were necessary to understand, when it’s simply necessary to love.” — Claude Monet